01. 天下皆知美之為美

我們對于西方畫家的印象，無外乎三種情況：一是人畫齊名，比如說達芬奇和《蒙娜麗莎》，比如說梵高和《星空》；二是人比畫出名，比如說畢加索，全世界前10名最高拍賣價的畫作里面，他一個人就占了4幅。最后一種情況是畫比人出名，比如說《戴珍珠耳環的少女》。

《蒙娜麗莎》自然是傳世的經典之作；梵高的畫作絢麗多姿，令人著迷；可畢加索的《格爾尼卡》著實是打破了一般人的審美習慣，一般人很難說出個所以然來。

所謂藝術，究竟是什么呢？

所謂美與丑，又有什么標準？

1.《大話西方藝術史》

不久前，應朋友邀請參加了“歐洲300年經典畫展”，原本懷著無限期待的激動心情，結果到了現場，面對上百幅風格迥異的西方畫作，看傻了眼。

作為毫無藝術細胞的小白，除了舉世聞名的達芬奇、梵高、畢加索，西方畫家那些冗長的名字愣是一個也記不住。

什么巴洛克、洛可可、新古典主義、浪漫主義、印象派，一系列風格迥異的流派更是將小白們阻攔在藝術大殿之外。

還好，最近被推薦了一本書——《大話西方藝術史》，感覺自己一下子就厘清了3000年的西方藝術歷程，在笑梗不斷的文字中，輕松記住了40位藝術大師和20個藝術流派，連藝術審美能力都提升了一個臺階。

這本書的作者是瀟涵，人送外號“意公子”，是當下深受大眾喜愛的藝術自媒體“意外藝術”創始人。意外藝術用讓人聽得懂的話，講新奇有趣的藝術故事，是國內領先的藝術愛好者聚集平臺。

2.藝術是畫得像還是畫得抽象？

美的歷程，最初從原始的山洞開始，經歷了天馬行空的神話故事，古希臘文化是一個難以逾越的高峰，然而，中世紀度過了漫長的黑夜，直到文藝復興的曙光再次將藝術照亮。

然后是巴洛克時期的真實美，洛可可時期的“動感青春”，再到新古典主義的興起，美在古典與叛逆之間來回奔走，沒有定論。

所謂繪畫藝術，不是“畫得像”就是美，也不是“畫得抽象”就是美。

藝術不是高深莫測的學問，也不是少數人的專利。藝術是原始的壁畫，是古希臘的雕塑，是文藝復興的油畫版畫，是現代的行為藝術，是用顏料一筆一劃凝聚的作品，也是啟動我們眼耳鼻舌身意的精神產物。

貢布里希說：“沒有藝術，只要藝術家。”古希臘的靈動，古羅馬的靜穆，中世紀的呆板，文藝復興的真實，巴洛克的華麗、洛可可的纖巧……藝術的魅力即在于其千變萬化，不拘一格。

3.?挖掘藝術寶礦

藝術固然高于生活，卻源于生活。有人提倡原始的欣賞方法，就是不去了解任何知識背景，單純地利用基本感官去感受博物館的藝術。

這種欣賞方法固然簡單，卻不能挖掘作品背后的深處魅力，未免可惜。

李欣頻老師認為：“藝術和美就像是可以用一輩子的礦產，如果你沒有找到這個礦產，那么會一直都很辛苦，因為自己想不出東西，缺乏靈感，藝術是全人類的寶礦。

藝術是每一個人的必修課，它讓我們相當于從地下室，一路升到101樓，這就是藝術的調頻電梯。調頻之后你要去哪里都會很快，而且是又快又好。”

藝術的水平高于現在地面上所有一切，因為它是高靈感、高直覺，所以高于一切邏輯。

就像李欣頻老師所說，無論自己的本職工作是否與藝術有關，都一定要打造一個藝術家版本的自己，一旦你把“藝術”注入到你生活的方方面面，就能完全變成不一樣的能量場，能帶給你巨大的創造力。

比如說，當我們看畫展的時候，如果提前了解這幅畫的歷史背景，就能夠更好地穿越時間和空間，解讀出畫作的深層次信息，體悟到作者對美的認識、對生命的思考，從而獲取創意靈感，運用于實際生活當中。

比爾蓋茨曾在1994年以3080萬美元從佳士得買下達芬奇寫于15世紀的一份《萊斯特手稿》，比爾蓋茨并不是單純的收藏，而是把這份手稿變成了可供任何Windows用戶使用的墻紙和屏保集合，該軟件包與Microsoft Plus捆綁提供。

后來，比爾蓋茨進一步將手稿制作成單獨的CD-ROM版本，以每張50美元的價格出售，引起了搶購。

喬布斯更有意思了，直接帶領員工去看藝術展，所以蘋果的產品堪稱藝術品。

他認為只靠盯住一件東西冥思苦想并不能帶來思維上的突破。

用不同的創意轟炸大腦，才可以激發創造力。

02.從藝術作品中獲取創意靈感

每一件藝術作品，都蘊藏著一個巨大的能量場，當我們的審美軟實力得到提高，就等于多了一個藝術家的創意腦，可以隨時從藝術作品中獲取無限的靈感。

1.維納斯：美的典范

“維納斯”本身就是美的象征，她是羅馬神話中的人物，在古希臘神話里的名字是阿芙洛狄忒，是愛與美的女神。

但是我們發現維納斯并非豐乳肥臀，而是平胸；維納斯身上還露出帶有肌肉的線條，我們現在叫做“人魚線”，怎么看都像是健壯的男性。

要知道，《威倫道夫的維納斯》完全是另一種風格，我們看不到她的臉和手，只看見大到離譜的胸部和肚子，充分體現了女性特征。

那么，斷臂的維納斯到底美在哪里呢？

首先，維納斯的雕塑完美呈現了黃金比例，身體上下的長度之比約為0.618:1，腦袋和身體的比例是1:8，從任何角度來看，都是最完美的“黃金比例”。

其次，這是一種創新，古希臘人開創性地發現了這個比例，從而建立了一種美的方程式。

同時，時代的進步影響了人們對于美的追求。認知的變革和生活的充裕取代了原始社會的無知和恐懼，還產生了“奧林匹克運動會”，人們對于美的向往更偏向于男性化、健美化。

2.蒙娜麗莎：神秘的微笑

作為藝術小白，我們對于中世紀的印象有多模糊，就對文藝復興的印象有多深刻。而我們最熟悉的畫作非《蒙娜麗莎》莫屬。

據說，關于此畫的專著就有幾百本，很多學者終身都在研究，這幅畫的知名度甚至超過了達芬奇本人。

蒙娜麗莎是誰？她是悲傷還是微笑嗎？她為什么而笑呢？

有人說是因為孕育了新生命而笑，有人說是為了去世的孩子悲傷，也有人說她是個妓女，是在嘲笑世人，甚至有人說，她的笑容不是一成不變的，會隨著看畫人的心境變化而變化。

為何一個似笑非笑的表情，困擾了世人500年之久？

原來是因為達芬奇運用了“明暗漸隱法”，蒙娜麗莎的眼角和嘴角上高達近40層超薄油彩。

最新的多光譜掃描結果顯示，如果我們將背后隱藏的笑臉做成動畫，就會看到一個動態的笑臉。

研究顯示：蒙娜麗莎的微笑中，含有83%的高興、9%的厭惡、6%的恐懼、2%的憤怒。加上特殊的繪畫筆法下，她身后的背景與和神秘的微笑融為一體，散發著夢幻的氣息。

3.回歸自然

令人驚訝的是，全球流通最廣的畫作不是《蒙娜麗莎》，不是《向日葵》，竟是《晚禱》。

在西方藝術史中，神話和宗教始終是畫家們創作的主題，庫爾貝直言：“我不會畫天使，我根本沒見過她。”

庫爾貝把畫筆指向現實中的人群，而米勒直指農民——一個千百年被忽略的群體。

年少時的米勒到巴黎學畫，也曾為了討好顧客，畫一些肖像畫或是裸女，但仍受城里人的排擠，難以融入主流畫派。

妻子去世后，他獨自來到巴比松，重新撿起了自己最喜歡的題材，專注于農村生活。

于是，我們看到了鋤地、砍柴、洗衣縫紉的畫面，感受到了農民對土地的熱愛，對糧食的敬意。米勒堅持自己的風格，在無人理解和饑寒交迫的情況下，創作了《晚禱》。

如果說米勒的畫作讓人回歸大地，莫奈則讓人回歸自然。

曠世的作品不僅僅是對情景的復制，而是超越時間和空間，刻畫四季變幻、生命更迭。

一幅《日出》，顛覆了前人，也開創了“印象派”的先河。

整幅畫沒有線條和輪廓，而是用不同的顏色來記錄物體在光線下的變化，比如說用淺灰和紫色的背景，勾勒出朝氣蓬勃的日出。這種方法打破了傳統的束縛，也給藝術界提供了新的思考維度。

為了追趕光線的變化，莫奈還創造出“連作法”，有點像現代的相機連拍技術，后來及演化成了系列化的特點。

最具代表性的作品當屬8張嵌板畫的《睡蓮》，每一幅畫的色調迥異，分別是不同季節不同時間段的樣子。

從蓮花盛開到花瓣飄落，從新生到凋零，從繪畫到哲學，此中意境已經超越了藝術本身的邊界。

4.?藝術的邊界

面對印象派、野獸派的大膽創新，我們已經嘆為觀止了。

但是好的藝術不一定是美的，“丑”也并非美的對立面，相反，也能夠帶來比美更加震撼的效果。

藝術家們一次又一次探索新世界，也一次又一次打破藝術的邊界。

比如說隨心所欲的波洛克，他的作品可以說是匪夷所思了。

一幅《1949年1號》，沒有具體的形象，也沒有規則的線條，看上去就像是小孩子的涂鴉，完全看不出有什么寓意，只不過是一種藝術行為的證明。

杜尚更直接，他在商店買了一個小便池，然后像藝術家創作完一幅畫那樣，簽上姓名和日期。放到展覽館之后，被賦予了一個《泉》的名字，僅此而已，就成了一件藝術品。

他由此提出：“我認為它是藝術品，那它就是藝術品。”

從藝術行為到藝術觀念，固守的藝術家規則不斷被拋棄。

傳統的藝術邊界不復存在，所謂藝術，也越來越大眾化。

03.永恒之美

莊子在《大宗師》曾說：外天下，外物，外生，朝徹，見獨，無古今，不死不生。

意思是說，人間的一切都可以遺忘，萬事萬物，乃至生命都可以拋棄，古今中外也沒有區分，最后到達的境界是“不死不生”，這是一種永恒靜止的美的生命的延續，是一種面對自我世界的思考和假設。

“上帝說要有光，于是就有了光。”

畫家將生命的思考外顯，把所見所聞抽象成作品，從而凝固成了永恒之美。

就在他們把世界凝固在畫布的那一刻，便注定了光芒永存，不死不生。