這次北京電影節，一共搶到了13場電影，大多是在電影資料館。
記得第一次去電影資料館，是5年前，看的是《城南舊事》。過程很是難忘，最讓我驚訝的，是正片結束后，沒有人起身離開，大家一起盯著白色的字幕在黑色的背景上滾動，直到屏幕熄滅，燈光亮起，最后全場掌聲雷動。
這是我在影院里，從沒有過的觀影經驗。
于是回來后，興奮地向朋友轉述，不想朋友不屑，只給了一個字的評語：“裝！”
我一時語塞，不知怎么回應。最后憋出了一句：“一個人裝，是矯情；一群人一起裝，那叫儀式感。這不一樣！”
如今，5年過去，我覺得當時的這句話，很有道理。
電影節當真是一場影迷的狂歡。
不過，要想加入這場狂歡，代價也是不小的。
除了錢和時間，最耗費的是精力。拿我來說，在過去的兩周里，我幾乎每天晚上都有一場電影，這可真是個體力活兒。
尤其是工作日，六點半的電影，我六點下班后，就得一刻不停地趕到資料館候場，電影結束后再吃晚飯，到家已將近十一點。
這是搶票的時候，根本無心多想的事情，那時候只有豪情萬丈，哪還顧得上眼大肚小。
而精力透支的后果是，三谷幸喜的《魔幻時刻》，直接被棄。
那天實在是身心俱疲，于是一咬牙一狠心，老子不去了。不過一覺醒來，還是挺后悔的。
還有，看《新哥斯拉》的時候，睡了四次。
你能想象嗎，哥斯拉摧毀東京的時候，那么吵，我竟然睡得下去。
不過，在僅有的幾段清醒的時間里，我還是看清了哥斯拉的樣子，怎么說呢，特別像燈籠，或是那種水彩畫的大風箏。不信看圖：
下面說說我認真看的11場電影，都留下了哪些難忘的瞬間。
第一場是是枝裕和的《無人知曉》：
最近真的超愛是枝裕和，但可惜只搶到了這一場。
我只能想象如果在大屏幕上看《步履不停》和《比海更深》時，該是怎樣的心潮澎湃。
是枝裕和的電影，有一種“日常的力量”。
影片中的很多情節，我們在生活中都親歷過，只是當時身在其中并未在意。
而是枝裕和卻把這些穿梭在時間洪流中的“日常瑣事”，緊緊抓住，并用一段格外莊重的時間去呈現，結果特別有味道。
在《無人知曉》里，最震撼的瞬間是小女孩的“死”。
在是枝裕和的電影里，死亡是繞不過去的母題，但他的鏡頭又在有意的回避著死者。
他并不想過分消費死亡自帶的煽情屬性，而把它看作生命的必然過程。
畫面中，我們只能看到小女孩細嫩冰冷的手和模糊虛焦的臉，之后她被裝進了一個旅行箱里，因為哥哥要帶她去看飛機，那是她生前的愿望。因黑身份而足不出戶的她，甚至連像樣的愿望也提不出，這或許是僅有的一個。
接下來看了安東尼奧尼的“現代愛情三部曲”。
說實話，我不太喜歡安東尼奧尼的作品，總感覺他的電影里，有一種作天作地的自我陶醉感，過于文學性的表達，讓人無法親近。
但還是有些片段打動了我。
《奇遇》是三部曲中有明顯戲劇性的一部。
女人的失蹤，象征著莫名消逝、無跡可尋的愛情。
最美的是構圖，人物多偏離于畫面中心，讓位于自然和建筑，輸給更雋永的存在；再者就是忽而親昵的特寫，忽而疏離的遠景，將愛情中的男女若即若離，熱情的轉瞬即逝，做了非常視覺化的表達。
如果說奇遇或邂逅是葬送愛情的第一種方式，那么時間則是第二種。
正如《夜》所表達的那樣，他們原本相愛，天光大好，只是夜來了，沒人可以抗拒。
最難忘的瞬間當然是結尾，女人給男人讀一封炙熱的情書，男人聽得入神，問：“誰寫的？”
女人回答：“你。”
《蝕》最最牛逼的，當然是結尾長達八分鐘的空鏡頭蒙太奇，將男女主角約會的地點做了全方位時空的展示。
可是，我們期待的街角相擁始終沒有出現，他們通通失約了，只剩下了空聊的街道和靜靜流干的水桶。
那些他們愛情的象征符號，此刻全都站在了愛情的反面，成為了失去的象征。
看過了《爵士春秋》，就會發現把《愛樂之城》叫做歌舞片，是有點牽強的。
歌舞片要看歌舞在片中的占比，以及承擔多大的敘事作用。
顯然，《爵士春秋》才是一部標準的歌舞片。
而用三段歌舞，來辦一場生命告別式的想法，也足夠驚艷。
一場完美的謝幕，然后可以去死了。
《日瓦戈醫生》，197分鐘，卻一點也不嫌長。
史詩級的故事格局，戰爭、政治與愛情的糾葛，更是永恒的話題。
印象最深的，是一個工人罷工的畫面。鏡頭俯拍，從遠處拉近，從一群工人的身體聚焦到一個工人的臉，那種從抽象到具體的視覺表達，將革命這個空泛的詞匯，詮釋為一個個個體的抗爭，非常傳神。
當然，每個音樂響起的片段，都格外深情，讓我無法忘懷那個不斷出現的旋律《Lara's theme》。
三谷幸喜的《有頂天酒店》，很歡樂的賀歲鬧劇，全場笑翻了。
在這樣一部封閉空間的搞笑群戲中，導演依然不忘在場面調度上展現自己的電影性。
片中有大量的長鏡頭，多人出鏡入鏡，好戲不斷，在設計上確實花了巧思。
印象最深的，是那個丑聞纏身的國會議員說的一句話：“從今天開始，我就是全世界最不要臉的男人。”
做自己，有時候確實需要很大的勇氣。
當男主角見到董夫人的女兒，脫口叫出“董小姐”時，全場大笑。
不想這句四十年前的臺詞，在此時已有了別的意味。
片中的董小姐并不是貪戀草原的野馬，她的母親董夫人因守寡多年，被皇帝賜予了貞節牌坊。可這牌坊，卻成了枷鎖，讓董夫人見到心愛的男人，也只得隱忍。
片中最好的表達，是工匠雕刻貞節牌坊時的叮叮當當聲，交叉剪輯著董夫人在愛情面前的糾結，那種心亂如麻的聲音所形成的壓迫感，與貞節牌坊所代表的禮教對人的壓迫，形成了巧妙的互文關系。
不過，《董夫人》比起費穆的《小城之春》，還是要差不少。《小城之春》更輕盈，更少戾氣，更有詩意。
這部電影是和苦天樂同學一起看的，我倆都愛電影，都寫影評，神交已久，終于在《曼哈頓》里見面。
見了面，才知道此君果然名不虛傳，是個侃爺，跟他聊天特省心，不用擔心冷場，這讓我這個患有中度社交恐懼癥的中度孤獨癥患者，很是愜意。
《曼哈頓》，我倆都很期待。影片依舊是伍迪艾倫式的神經質嘴炮，充滿了對中產階級虛偽無能又自命清高的自嘲。
全片聒噪，但最后突然安靜的那一刻，特別珍貴，也格外動人。沉默十秒，女人對男人說，我還是更愛另一個男人。
那一須臾錐心的安靜，我想我會永遠記得。
影片《我是布萊克》非常“肯·洛奇”，寫實主義，對社會壓迫個體的始終關注，老爺子犀利仍在，只是多了一些溫情。
很多人說這部電影所披露的社會現實，比起中國來，實在差遠了。我總覺得，這樣說不好吧，畢竟電影不是選秀節目，難道大家還要比慘不成？
站在肯·洛奇的視野里，他想要完成的批判，我覺得很干凈利落的完成了。
盡管我知道他在用非常恰到好處的煽情技巧，催人落淚，但還是很難抗拒的中招了。
這是本次北影節，唯一的一次落淚，為一個叫布萊克的59歲的患有心臟病的木匠。
影片結束，帶著略顯沉重的心情，走出影院，對面就是游戲廳，女孩們正在跳舞，男孩們開著賽車。
只有我，和身邊的T小姐，還在為布萊克難過。
最后一部，是大衛·林奇的《橡皮頭》。
這是這位精神病導演的處女作，果然從一開始，就很精神病。
真的很難喜歡上這位導演，他太瘋狂了，遠遠超出了我的承受能力。
有人說看大衛·林奇的電影，除了催眠，就是催吐，真的是這樣。那已經不能用惡趣味來形容了，簡直就是惡（惡心的惡）趣味。
影片對男人“性焦慮”的暗示非常大膽，毫不掩飾。
畸形的嬰兒、滿身癩瘡的男人、雙腮長瘤的女人……性的膨脹和壓抑讓這個男人的世界，徹底崩塌了。
在大屏幕上，看這樣一部電影，視覺震撼力還是很足夠的，雖然心里不是那么舒服。
2017年的北京電影節，就這么結束了，但在電影資料館看電影的日子，還遠遠沒有結束。
很幸運，現在的公司離電影資料館只有1公里的距離；很幸運，公司的門口總是擺滿了一輛輛共享單車；很幸運，還有這么一個珍視電影的地方，可以給所有愛電影的人一個向電影致敬的機會。
這里的每一場電影，從關閉手機開始，以滿場掌聲結束。我喜歡這個地方，它讓我想起《小王子》中的狐貍對于“儀式感”的定義：它使某個日子區別于其他日子，使某一時刻不同于其他時刻。
