我在大學的專業是美術學-油畫，因此經常會幫同事們判斷一幅畫到底畫得好不好。今天呢，就讓我盡量以中國畫家們為例，主要通過他們的色彩作品，同時也會舉一些我在簡書上看到的例子，來向大家闡釋：普通人如何快速分辨出一幅作品的好壞。
我盡量不使用生澀的術語，同時盡量從大家都能看得懂的部分入手，希望各位認真閱讀，并舉一反三。
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素描關系
比如這幅畫，乍一看似乎很不錯：顏色飽滿，構圖有想法，葡萄塑造得通透可人，在質感上與籃子做出了區分，背景也處理得恰到好處。
但請你仔細看一看，裝葡萄的籃子，是不是像一個平面？完全沒有弧度的樣子。而且整幅畫的素描關系也比較糟糕，細節處理非常粗糙。
這樣說可能不夠清晰，但如果把圖片去色之后，你就會發現，整個畫面糊成一團，沒有清晰的黑白灰，于是無法突出素描關系。
落在籃子上的葡萄沒有影子，仿佛跟籃子沒有關系，葡萄到底是不是球形呢？感覺肉乎乎的，結構感不強。
籃子的這個部分沒有過渡，沒有明暗區分，透視缺失，光究竟是從哪里打過來的？
背景凌亂的筆觸像是被什么弄臟了一樣，毫無生氣，毫無樂趣，你會覺得有些“悶”。
上面這幅油畫是黃顯之1954年作的《櫻桃》，我們同樣用剛才的觀察點去看這幅畫。
并同樣把它去色，你會發現櫻桃依然圓潤通透，因為每一筆高光都點在結構上了，這一點很重要，黑白灰關系明確，并且有遠近虛實的關系，所以畫面顯得非常完整，影子也都在，背景紋理清晰。
用單色來表現畫面，更加考驗作者對素描關系的把握程度。
去色后也不會覺得畫面沉悶，花朵依然突出，背景的漸變與留白給了畫面足夠的“透氣感”。
影子
很多人在畫畫的時候都不知道物體有影子，尤其是很多照著照片畫畫的人。照著照片畫畫是非常異端的行為，尤其是對初學者來說，照片上的物體、人物沒有任何變化，是死的，本身照片質量不行的話，照著畫只能更糟糕。如果你想在畫畫這條路上自殺就去照著照片畫吧。
比如上面這幅作品，我看到作者給的照片就是這樣的實物照，沒有影子，但那種照片是為了給設計師摳圖用的，既然你是在畫畫，你就算是想象都得把影子給我畫嘍，不然就很奇怪，光打過來，明暗都有了卻沒有影子？那畫面怎么可能完整呢？
這位作者還是有一定的基礎，至少能努力塑造一個球體。但是，排線沒有掌握好基本法，完全按照同心圓的方式畫，出來的明明是個鑼啊，結構感弱得驚人，而且，圓本身也沒畫圓。
再就是，敬告各位出“教程”的人，請不要用手機拍攝步驟圖，尤其是在光線不夠充足的情況下，就算你畫得再好，拍得不好就是自損八千，非常非常丑且不專業。
你自己看看這張照片，所有細節都沒了，整幅畫跟沒完成一樣，明明自己分析明暗的時候還頭頭是道，卻完全沒有體現在畫面上。亮部不夠亮，暗部不夠暗，還是灰蒙蒙地糊成一片。而且也沒有構圖、沒有想法，真真兒的照葫蘆畫瓢，這種畫是最沒有意思的。
這幅畫由于作者使用了黑色背景，桌面又留了足夠的空白，所以從素描關系來說沒什么大問題。但是影子，你們可以自己動手打光看看，物體的影子什么時候會有如此清晰的一條邊緣線？又在什么情況下會有明確的形狀？右側影子處理的明暗如此分明，是在何種情況下才會有的？
答案是：當光源離得非常近且強時才會這樣，落到畫面上就是當你用力過猛的時候才會這樣。
我們可以翻到上面的《櫻桃》，仔細看一下影子的處理方式。影子在不同的光源處，顏色是不一樣的，且不一定就是深色，像右側那片櫻桃影子用的是灰綠色，照顧到了襯布本身的顏色（固有色），中間和右側的櫻桃影子會更加深紅色（環境色），以表現櫻桃壓在上面的效果，就非常生動。邊緣處理的也沒有那么死板，不會像石榴這幅給人一種“是不是桌子上本來有什么污漬呢？”的疑問。
而像這種把影子與背景完美融合到一起的方屬上乘。這幅畫的完成度非常高，筆觸、顏色都渾然天成。
細節
細節畫好了就是錦上添花，處理不好就是畫蛇添足。
還是看上面的石榴，你會發現作者在為了表現表皮上的傷疤，畫了一些加重的黑線，也能看到石榴表皮外側的排線，并在排線下面有些加重的顏色。果皮的內部其實要比外部要柔軟，但你看上面那塊內皮的顏色仿佛石榴已經爛了。
我相信作者看到的石榴可能就是這個顏色，但畫之所以為畫是需要藝術加工的，這樣“直白”地去處理，整體就給人一種，這個石榴很臟且不新鮮的感覺。
會畫畫的人是十分重視細節處理的，每一個點、每一條線、每一個面都應該是為了表現結構而存在，這也是看一個人究竟會不會畫畫的關鍵點。一看雜亂無章的線條、亂七八糟的點、大小不一、還有折斷停頓的情況出現、有些像句點有些像逗號，就知道這是個門外漢。
這是孫宗慰的《廚中佳肴之一 魚》，你會發現畫家在處理魚、菜、雞蛋、桌面時用的筆觸是不同的。魚尾和魚身兩側的小筆觸，突出表現魚鱗的質感。而碗中蛋清上的那一大筆白，與蛋黃上的弧狀高光，突出了碗與雞蛋的圓潤。所有的東西用色非常干凈，色調統一，沒有多余的刻畫，你就知道這一桌東西非常新鮮。
同樣是外皮有疤，這個處理得就非常自然真實。同時西瓜是一個球體，不只是一個圓，通過明暗、高光、反光的變化你也能看出來它的確圓滾滾。即使也沒有影子，跟上面的龍眼一比就是高下立判。
顏色
你把顏料給一個不會調色的人是一種災難。
色感這個東西算是比較靠天賦了，什么是色感呢？就是給你一個物體，比如一個雞蛋、一個蘋果，你看一眼就知道怎么去調顏色。包括暗部和亮部分別該用什么顏色去調，這樣顏色搭配會非常自然地憑空出現在你的腦袋里，你只需要下筆調出來畫即可。有些缺乏色感的人會通過背顏色搭配來作畫，我無法想象那是種什么樣的體驗，只能說這實在太笨太蠢了。你們只要不是色盲、色弱，去通過正式的訓練，都會形成良好的色感。
我非常喜歡念顏料的名字，每一個名字念出來，腦子里就有它們的顏色了。上學的時候老師也說，如果你不記得顏料的名字，如何用它們去調色呢？比如讓你畫青椒或者土豆，需要用到紅綠搭配，青椒適合用大紅+深綠，土豆適合用赭石+橄欖綠，如果單純只說紅+綠，不同牌子同一個名字的顏色都可能不一樣，不說清楚你怎么知道該用哪種呢？
我們學畫的時候，老師會反復強調“不要把顏料盒里的顏色直接用在畫面上”。很多顏色的飽和度都是非常高的，俗稱“非常鮮艷”，不經過調和的話會非常“生”“艷”“假”。
當然不同的顏料質地，調和的方式也不同，像水彩、水粉需要用水，油畫是用油；水彩、水粉無法用淺色完全遮蓋住底下的重色；而油畫可以隨意疊加，但是更容易混合。
而發生直接把顏料往畫面上畫的情況，大部分是因為，你們只能看到那些顏色，比如給你一個紅色的蘋果，你就只知道用紅色，最多暗部是深紅，亮部是淡紅。但其實沒有哪個蘋果能給你這么簡單粗暴的紅色感受，只有加了綠色的暗部才能更突出亮部的紅，亮部完全可以靠橙色甚至檸檬黃來提亮，高光也不一定只是白色，一點點天光藍就可以有更多變化。
還有另一種極端，就是所有的物體都畫得又土又灰，比如“濟南畫派”。灰色用得好其實會很高級，像莫蘭迪那樣。而非常臟的灰，那就是顏色沒調和好，飽和沒控制好，水/油沒控制好。
這個真的是驚世駭俗的災難，我都詞窮了。。。雖然能非常強烈地感受到作者對繪畫的愛與熱情，雖然繪畫的確強調隨性、開心就好、藝術創造，但顏料真的挺貴的，這么浪費不如送我_(:зゝ∠)_
這是凃克1958年作的《海景》，這顏色的細膩變化，與海面的波光粼粼相呼應，色調統一又富有變化，這個才叫做繪畫好嗎。
這是韋啟美1998作的《蓬山》，整個山體是有色彩變化的，同時也兼顧了素描關系，近實遠虛的空間感，方寸之間氣勢磅礴。一幅好的作品必須足夠完整，有美妙的細節作為支撐，讓觀者可以看了又看，在畫面上能不斷找到好看的部分。
反觀上面那兩幅“驚世駭俗”，整個畫面是扁平的，毫無美感可言。山與天空與海面有任何關系嗎？世界上哪有那么正好的三角形的山呢？畫面的重點在哪里，你想讓我看哪里呢？
其實我畫畫也會直接用純色，但我是經過專業訓練的，我知道顏色加在一起是什么效果，我知道用純色是為什么。而且畫面的色調統一是非常關鍵的，色彩搭配也是一門學問。
像水彩里面用純色，會更為普遍一些，但也會有暗部和灰色的搭配，這樣才會讓純色更純，亮色更亮。“有比較才有存在”，這是老師教給我的警世名言。
我在知乎上也回答過關于怎樣調色的問題。
這就好比做菜的時候問，我不知道我該加多少鹽，或者不知道我應不應該加糖，還有醬油、胡椒粉等等等等。首先你得知道這些調料嘗起來的味道和聞起來的味道，然后自己去把它們混合起來試試才知道適不適合。調色亦然，你要知道它們的名字，它們本身的顏色，和調和之后可能出現的顏色。
從最簡單的，紅色+黃色=橙色，黃色+藍色=綠色，紅色+藍色=紫色，紅色+藍色+白色=紫紅或者粉紅色（取決于你加了多少白色）。
還有顏色之間的冷暖關系，比如粉綠、翠綠、檸檬黃偏冷，草綠、深綠、橄欖綠、中黃、土黃偏暖。每種顏色加得多加得少效果完全不同，要不要加水也會改變顏色。
再進階就要考慮到環境色和對比色，紫色的花完全可以靠一點點黃色來提亮，再來一點天光藍加以柔和，陰影里出現橄欖綠也毫不違和。
樹木本是綠色的，但在湖景中會顯現出藍色、紫色，甚至橙色等變化。
你能看到多少顏色就去試著調出多少顏色。畫畫之前你應該先訓練自己的眼睛去發現更多的色彩。別怕調錯，可能會因此出現更美麗的顏色。還有最重要的一點，任何時候都不要用黑色。
畫面完整程度
我在舉上面的例子時多次提到了“完整”這個詞，大部分初學者都是不知完整為何物的，加一個落款、蓋個章、裱起來就是完整了嗎？就是畫完了嗎？并不是的。
所謂完整，就是當你看到這個畫面，你會發現多一筆嫌多，少一筆嫌少，一切都正正好好，和諧統一。
你們看這張水彩畫，兩棵樹各有虛實、遠處的高墻薄成一層影子，背景暈染出的顏色讓你感受到光。光是最難以捕捉的，畫畫的終極就是畫光。這使整幅畫面上升到藝術的欣賞角度，你能看出故事，看出情感。
我們從開始學畫一直到畢業，老師不斷重復的要領就是“整體”這兩個字，你不是只畫一個物體，哪怕你只畫一個蘋果，你也得先畫出整個蘋果的形狀、果蒂的位置、影子的位置，再開始深入刻畫。不能先畫果蒂，再畫蘋果，最后忘了影子。
這些年我看到數不勝數從局部開始刻畫然后一點點推導出整個物體的作品，我并不是說不能這么畫，但你只有在對結構的認識足夠清晰、信手拈來的時候，你才能這么畫，不然就很容易發生比例失調、畫面不完整、刻畫過度等問題。
曾經我有一個同學他畫人物的時候是先畫了眼睛，然后五官，然后頭部，然后肩膀。他的功底已經非常扎實，畫面甚至有一點列賓美院的感覺，但老師還是只看了一眼就讓他撕了重畫。我知道我現在說的這些是充滿了原教旨主義的，老師的做法也非常刻板不近人情，但你們在學畫的初級階段最好遵從它的規則，等你真正能熟練運用的時候再去顛覆也不遲。比你聰明的人多得是，你以為只有你想投機取巧嗎，可基本功只能一步一個腳印。
其他
其他如何判斷作品好壞的點，還有諸如筆觸、透視、比例、光影、空間、結構等等，這些就需要比較專業的知識了，畫不是光用看就能理解的。
上面提到名字的畫家，你們可以去查他們的資料，看更多的作品。或者你可以點擊下面這個鏈接，直接與水彩畫家婠婠面對面。
婠婠帶你輕松入門創意水彩
婠婠的這門課應該是簡書目前最好的水彩課，不止是教畫畫，而是帶你認識藝術。
她師從日本“永山流”：
大局觀下的底色決定了整個畫面色調明暗，而顏色的疊加使得層次和顏色變得更為復雜，最關鍵的是色彩的平衡。大師的色彩都非常具有風格，永山流的色彩可以說是獨樹一幟。比起那些用色鮮艷，或雜亂，或飽和度高，讓人很快就審美疲勞的風格，永山流艷麗卻不刺眼，柔美中帶著韻律。不同于日本畫與多數的歐美水彩，這種具有東方色彩感，卻不拘泥于固有的含蓄和水墨色調，反行其道，大開大合地一如莫奈的色彩，讓人在深深回味中被這種美所包裹。
單一色彩或者兩種色彩下，我們或許可以很容易做到透明，但是在整個色調多變的情況下，這種透明感卻很難盡善盡美。但是永山卻將這種透明，完全淋漓盡致地展現在紙面上。
永山流的驚艷之美，可以說，就是在不停地嘗試和失敗摸索中開辟出來的風格。
水彩本身是一種非常容易上手的畫種，看起來非常簡單，只是水與色彩的融合，但究竟怎么融合，怎么創造出最棒的效果，怎么把你心里的美展現在紙面上，這些需要一個真正靠譜的老師，帶你入門。
你總說喜歡畫畫，畫畫使你開心，那就畫點真正美的畫吧，也給自己一個機會接觸一點最容易上手的藝術吧??(ˊωˋ*)??
